Introductie "verboden" voor amateurs!
Het staat buiten kijf dat Picasso een van de bekendste kunstenaars ter wereld is, zozeer zelfs dat ik weiger hem zelfs maar voor te stellen, om voor de hand liggende herhalingen te vermijden, die de neus van de meest deskundige kunstexperts zouden doen omdraaien, die zich op deze manier op dezelfde manier behandeld als de meest onbeschaafde amateurs! Afgezien van de ironie streef ik in mijn bedoeling om u misschien iets minder bekend te maken over het verhaal van de schilder na, te beginnen met het feit dat hij, in tegenstelling tot andere kunstenaars die hun experimenten voornamelijk op één stijl of gezichtspunt concentreerden, waardoor ze buitengewoon beroemd werden (denk aan de verplichte associatie tussen Monet en het impressionisme), genoot ook, afgezien van het kubisme, van het experimenteren met aanvullende en bekende 'praktijken', evenals met verschillende artistieke technieken. In feite is het mijn onderwerp om een innovatieve vergelijking te ontwikkelen tussen de Blauwe en Roze Periode van de kunstenaar: twee fasen van het rijke figuratieve onderzoek van de schilder, waarvan bekend is dat het ook de Afrikaanse periode en die van het analytische en synthetische kubisme omvat. Genoeg, laten we ter zake komen! Nu is het dringend nodig om alle geheimen, historisch en theoretisch, van de Blauwe Periode te onthullen, die gevolgd zullen worden door een soortgelijk onderzoek met betrekking tot de Roze Periode. Ten tweede zullen al deze begrippen worden gebruikt om twee schilderijen te vergelijken die het resultaat zijn van de betreffende momenten, wie weet, misschien bezield, zelfs door iets dat ze kan verenigen...
LATO II (2022)Schilderij van Michał Ostrogórski.
De blauwe periode
Laten we beginnen met de vroegste Blauwe Periode en enigszins beknopt blijven, omdat het minder voor de hand liggend zal zijn om meer ruimte te geven aan de daaropvolgende vergelijking tussen de werken... Laten we daarom, uitgaande van Picasso's woorden, de hele figuratieve context in kwestie opnieuw aannemen door te citeren de zin: "Ik wilde blauw schilderen, denkend dat Casagemas dood was." In feite ontstond de blauwe periode (1901-1904), fysiek geplaatst tussen de verhuizingen van de kunstenaar naar Parijs en Barcelona, voornamelijk uit de realisatie van een onheilspellende gebeurtenis, namelijk de zelfmoord van de eerder genoemde Carlos Casagemas, een van de beste vrienden van de kunstenaar. Het verdriet veroorzaakt door het sterfgeval, maar ook door de economische problemen waarin de schilder destijds verkeerde, vond in de kleur blauw de juiste toon om uitgedrukt te worden, weergegeven door de analyse van over het algemeen arme en lijdende onderwerpen, klaar om de ongeluk en verdriet die het hart van de kunstenaar bewoonden, die door middel van kunst zijn gevoel naar buiten kon brengen, waardoor het universeel deelbaar werd voor degenen die, net als hij, sterk in zichzelf voelden wat velen het kwaad van het leven noemen...
EEN ANDERE TAAL (2022)Schilderij van Young Park.
De Rozenperiode
‘De stilte na de storm’ lijkt niet alleen de titel te zijn van een beroemd gedicht van de Italiaan Giacomo Leopardi, maar lijkt ook samen te vatten toen hij de kleur blauw opvolgde met de positievere Rozenperiode (1904-1906), een figuratieve aanleg die voortkwam uit de nieuwe woonplaats van de Andalusiër, die zich inmiddels in de levendige kunstenaarswijk Montmartre (Parijs) had gevestigd, een plek waar hij de moeilijkheden die inherent zijn aan de in beginsel onstabiele en vergankelijke aard van het menselijk leven achter zich kon laten en de picturale stilistische stilistiek nu gereed vond om focus op vrolijkere onderwerpen, die, vaak ontleend aan de wereld van het circus, hun gelijkenis kregen door een vakkundige nevenschikking van levendige tinten rood, oranje, roze en aarde.
MAGENTA SAUNA (2023)Schilderij door Shulman.
PASSAGE PROTÉGÉ RÉF. 1396 (2023) Schilderij van Christian Raffin.
Beeldvergelijking: moederschap in roze en blauw
We zijn eindelijk bij het meest innovatieve, interessante en minder voor de hand liggende deel van mijn onderzoek gekomen, namelijk dat ik, ondanks de duidelijke en bovengenoemde verschillen tussen de betreffende perioden, twee meesterwerken heb gevonden, respectievelijk één in blauw en één in roze. , die, omdat ze een verwant onderwerp hebben, ondanks hun symbolisch verschillende chromatische eigenaardigheden leiden tot een soortgelijk gevoel van genegenheid, bescherming en tederheid, dat zelfs in de moeilijkste fasen van ons leven kan worden gevonden in de immense en onverstoorbare relatie van liefde die bestaat tussen moeder en kind. Wat er is gezegd, komt goed tot uiting in het werk uit de Rozenperiode getiteld Family of Acrobats (1905), waar de echte hoofdrolspelers precies het kind en de vrouw blijken te zijn, wier gezichten amoureus dicht bij elkaar komen en bijna tegen elkaar aan botsen, om indruk te maken. de tedere ogen, zowel van de mannelijke figuur als van de bijna gehumaniseerde koppelaarster. Een dergelijke intimiteit, dat wil zeggen de ‘onbeschaamde’ veruiterlijking van een dergelijke zoetheid, komt voort uit een van de oudste ‘kruistochten’ in de geschiedenis van de kunst, aangezien deze pas vanaf de dertiende eeuw voortduurt, als gevolg van een hernieuwde drang naar een eenvoudiger en meer hartstochtelijke toewijding, dat de figuur van de Maagd, een voorbeeld van een moeder bij uitstek, zich losmaakte van de Byzantijnse patronen en haar kind zachtjes begon te benaderen. Een dergelijk model van cursieve afleiding kon zelfs in de meer treurige Blauwe Periode niet worden genegeerd, waar, zoals blijkt uit Moeder en Kind uit 1901, de vrouw zelfs zo ver gaat dat ze haar kind kust. De figuur in kwestie wordt, vooral vanwege haar gewaad, door velen herkend als een soort 'Madonna', onderdeel van een reeks vergelijkbare onderwerpen uit de Blauwe Periode waarin de kunstenaar vaak de thema's religie en armoede wilde combineren. Ten slotte kan verder nieuws over de Blauwe Periode en de Roze Periode worden ontdekt door de analyse van enkele werken van Artmajeur-kunstenaars, zoals bijvoorbeeld Katerina Braiko, Adalberto Miguez en Dmitriy Trubin.
'S' (2023)Schilderij van Katerina Braiko.
Katerina Braiko: 'S'
Drie acrobaten vormen een soort menselijke piramide, die onmiddellijk aan de roze periode van Picasso doet denken, zowel wat betreft het behandelde ‘circus’-thema als de toon van de felle kleur die, naast de lichamen, het hele doek bezielt. is in staat een donkere achtergrond te verlevendigen, grijs in de grond en zwart in de 'lucht'. Vooral gezien de fysiognomische gelijkenis van de meisjes die door het werk vereeuwigd zijn, veronderstelde ik ook dat zij misschien tot dezelfde ‘lijn’ zouden behoren, wat mij deed denken aan het beroemde beeld van Picasso’s meesterwerk getiteld Family of Acrobats (1905). Het olieverfschilderij in kwestie toont een groep circusartiesten in een tijdloze, vegetatievrije omgeving, met daarbovenop een blauwe lucht bevolkt door heldere wolken, klaar om de aanwezigheid te verlichten van figuren geïnspireerd door de commedia dell'arte, die werden gekozen door de kunstenaar als iconen van de burgerlijke marginalisering. Vergeleken met de Blauwe Periode van Picasso verwijst het roze op een beslist zachtere manier naar menselijk lijden, waardoor de zware onderwerpen van depressieve bedelaars achterwege blijven en verwezen wordt naar figuren wier levensellende eerder te wijten is aan sociale vervreemding. Ondanks deze duidelijke toespelingen worden de circusartiesten niet vereeuwigd met droevige blikken, maar drukken ze een zekere sereniteit uit, wellicht verleend door de kleuren waarmee hun vormen zijn weergegeven, die echter in een lege context zijn geplaatst, onverbiddelijk indicatief voor eenzaamheid.
DISJONCTION XV (2023) Schilderij van Adalberto Miguez.
Adalberto Miguez: Disjunctie XV
Wat Miguez op de canvas steun heeft weergegeven, deed me denken aan een scène uit een film: twee geliefden, naakt en comfortabel liggend op hun bed, worden plotseling overvallen door een calamiteit, die leidt tot het instorten van de vloer van hun huis, iets waardoor de kunstenaars vereeuwigen ze op het moment dat ze in de lucht hangen en waarschijnlijk vergezeld worden door vallende stukken beton. Deze fantasierijke interpretatie van mij kan niet nalaten grip te krijgen op de objectiviteit van het onderzochte thema, dat van het naakt gevangen in een lichtblauw, dat mij, door affiniteit, zowel qua picturaal genre als kleursoort, onmiddellijk deed denken aan het droeviger, en beslist minder dynamisch, olieverf getiteld Blue Nude (1902), een werk van Picasso waarin een zittend model haar met de rug naar de kijker heeft gericht en een verzamelde en beslist introspectieve positie inneemt. Het lichaam wordt op innovatieve wijze van bovenaf afgebeeld, geplaatst in een onkenbare ruimte, wat lijkt te zinspelen op de staat van marginalisatie waarin de figuur zich bevindt, misschien onthecht en, fundamenteel, afgewezen. Ten slotte maakt het meesterwerk in kwestie duidelijk hoe de Spaanse meester zijn slechte leven vakkundig kon omzetten in sublieme creativiteit, waarbij hij verdriet in zijn voordeel gebruikte om een van de meest iconische stukken uit de Blauwe Periode te creëren.
OUDE MANBEDAAR EN JONGEN. POE PICASSO Schilderij van Dmitriy Trubin.
Dmitriy Trubin: Oude man, bedelaar en jongen
Deze studie kon absoluut niet voorbijgaan aan de analyse van een originele remake van een schilderij van Picasso, gevonden in het voorbeeld van het werk van Trubin, waar twee gehumaniseerde spijkers de figuren van de oude blinde man en de jongen opnieuw gebruiken, protagonisten van de gelijknamige opdracht van de Andalusische meester. meesterwerk op een blauwe achtergrond uit 1903. Van dit laatste olieverf op doek is bekend dat het de eerder genoemde gemarginaliseerde karakters afbeeldt, die, zittend tegen een muur, opvallen tegen een achtergrond die eenvoudigweg wordt weergegeven door een horizontale lijn, bedoeld om concrete vorm te geven aan de hoek van een muur die een straat ontmoet. De onderwerpen die zo'n achtergrond bezielen zijn droevig en opvallend armzalig, maar naast hun schijn is het de uitbreiding van de blauwe tint die hun droevige, treurige, eenzame en melancholische sfeer meer kracht geeft. Terugkomend op de personages in kwestie: deze zijn waarschijnlijk ontleend aan de onderwerpen die de kunstenaar in die periode in Barcelona heeft kunnen observeren, vooral dwalend door de ellendige straten van de wijk Barceloneta, waar in die tijd bedelaars zich verzamelden. . Laten we een klein historisch haakje openen: het Barcelona van het begin van de twintigste eeuw was beslist een stad vol sterke contrasten, dat wil zeggen vol met textielfabrieken, waar de arbeiders en behoeftige arbeiders echter feitelijk werden vergeten.
Olimpia Gaia Martinelli
