Top 10: zelfportretten van Vincent van Gogh

ROKEN VAN GOGH (2019)Fotografia da Mathilde Oscar.

Omgekeerde introductie

"Ik ben het echt, maar gek geworden." - Van Gogh

Mijn inleiding tot het tegendeel heeft de laatste betekenis, omdat het tot doel heeft om, slechts tijdelijk, zowel de beschrijving van Vincent Van Goghs meervoudige zelfportretten als de analyse van hun historisch-artistieke, technische, emotionele en stilistische context van erbij horen weg te laten. om een voorlopig verhaal te genereren, gericht op het presenteren van de figuur van de Nederlandse kunstenaar zoals die werd gezien door andere grote meesters uit die tijd, waaronder John Peter Russell, Henri de Toulouse-Lautrec en Paul Gauguin. In feite is het juist het werk van laatstgenoemde dat ons een aanvullende visie lijkt, die ons, naast de zelfportretten van Vincent, laat begrijpen hoe, ondanks het feit dat laatstgenoemde meesterwerken voortbracht waarin zijn innerlijke staat zich resoluut oplegde aan het werkelijke gegeven, bleef hij altijd trouw aan de weergave van zijn meest authentieke trekken, en toonde hij zelfs dat hij de moed had om zichzelf te portretteren op de meest traumatische momenten van zijn leven. Denk er eens over na: wie zou vandaag een foto van zichzelf op Instagram plaatsen waarop hij wordt afgebeeld in een moment van volledige zenuwinzinking, zonder te pronken met de beste versie van zichzelf? Slechts een paar waaghalzen zoals Vincent zouden dat doen! Terugkomend op ons, het citaat dat dit kunsthistorische verslag opent, bevat precies de woorden die Van Gogh uitriep toen hij het werk van Gauguin zag dat hem afbeeldde, een afbeelding uit 1888 die onbetwist waar is voor de grote postimpressionist, in die zin dat het een echt psychologisch portret vertegenwoordigt. , waar opvallende details naar voren komen, zoals bijvoorbeeld de halfgesloten ogen, het misvormde hoofd, het lage voorhoofd, het gezicht en de gekneusde neus. Juist deze laatste hebben ons de figuur van een gespannen, vermoeide man, maar toegewijd gefocust op zijn geliefde zonnebloemen, overgeleverd. Ten slotte bieden de tien zelfportretten van Vincent die ik heb geselecteerd, parallel aan Vincent van Gogh die zonnebloemen schildert (1888), ons de voortzetting van dit figuratieve verhaal dat door Gauguin is 'begonnen' en dat zeker zal worden verdiept door verder introspectief en onthullend artistiek onderzoek.

Top 10

"Er wordt gezegd - en ik ben bereid het te geloven - dat het moeilijk is om jezelf te kennen, maar het is ook niet gemakkelijk om jezelf te schilderen." - Van Gogh in een brief aan zijn broer Théo, september 1889.

Van Gogh, Zelfportret (opgedragen aan Paul Gaguin) , 1888. Olieverf op doek, 61,5 x 50,3 cm. Cambridge: Fogg-kunstmuseum.

10. Zelfportret (opgedragen aan Paul Gaguin) (1888)

Om verder te gaan met wat in de inleiding expliciet is gemaakt, wil ik Vincents citaat uit 1889 citeren, dat zijn serieuze benadering van het genre van het zelfportret onthult en ons ook in staat stelt ons de moeilijkheden voor te stellen die verband houden met een "vierhandige ' experimenteren met het genre, opnieuw het resultaat van een van de meest iconische vriendschapsverhalen uit de kunstgeschiedenis: die tussen Van Gogh en Gauguin. In feite is het zelfportret dat op nummer tien in mijn ranglijst staat, dat dateert van vóór het geschil tussen de twee kunstenaars, tot stand gekomen op voorstel van Vincent, die, in navolging van de gewoonte van Japanse prentkunstenaars om werken met elkaar uit te wisselen, aan Paul suggereerde dat hij maak twee zelfportretten en doe later hetzelfde. Gauguin, die het werk als eerste voltooide, portretteerde zichzelf niet alleen in de gedaante van de hoofdpersoon van Victor Hugo's roman Les Misérables, maar begeleidde het zelfportret met een liefdevolle toewijding aan zijn vriend, die, toen hij het meesterwerk zag arriveren, besloot om voeg aan zijn zelfportret de zin toe: aan mijn vriend Paul Gauguin. Wat de stijl van het werk betreft, is het schilderij uit 1888 zeker geïnspireerd door de oosterse wereld, een invloed die vooral merkbaar is in de keuze van een lichtgroene achtergrond, die, zonder enige schaduw te vertonen, de aardse kleuren van de beeltenis naar voren brengt.

Van Gogh, Zelfportret met strohoed (voorzijde: De aardappelschiller) , 1887. Olieverf op doek, 40,6 x 31,8 cm. New York: MET.

9. Zelfportret met strohoed (1887)

Als het zelfportret uit 1888 tot ons spreekt over vriendschap, vertegenwoordigt dit uit 1887 een echte stilistische weerspiegeling, aangezien het op de achterkant een ander meesterwerk presenteert, namelijk het olieverfschilderij van De aardappelschiller, een schilderij dat rond 1885 dateerde en werd uitgevoerd in Nuenen (Nederland), is een duidelijk voorbeeld van sombere en sociale schilderkunst, gericht op het vereeuwigen van voornamelijk nederige karakters die worden afgebeeld tijdens het uitvoeren van dagelijkse handelingen, verteld door middel van een realisme dat fysiognomieën en omgevingen in expressionistische zin vervormt. Van Gogh, die zo arm was dat hij geen nieuwe doeken voor zichzelf kon kopen, schilderde precies twee jaar later en tijdens zijn tweede verblijf in Parijs op de keerzijde van De aardappelschiller het Zelfportret met strohoed, een meesterwerk waar een opmerkelijk Het lichtere palet gaat vergezeld van scherp zichtbare penseelstreken van verschillende richtingen en maten, die in staat zijn om beweging en diepte aan het werk te geven. Ten slotte, terwijl hij het meesterwerk kort beschrijft, verschijnt Vincent frontaal en iets naar links in het midden van het schilderij, terwijl zijn blik, die niet op de kijker is gericht, in dezelfde richting wijst als zijn gezicht. Ondanks dit gebrek aan oogkruising tussen de beeltenis en de kijker, lijkt Van Goghs fysionomie onmiddellijk herkenbaar, onmiskenbaar gekenmerkt door een lange, scherpe neus en ogen met een heldere iriserende kleur.

Van Gogh, Zelfportret zonder baard , 1889. Olieverf op doek, 65 x 54 cm.

8. Zelfportret zonder baard (1889)

Velen zijn blijven hangen bij de contemplatie van Vincents werken zonder ooit te hebben geweten hoe hij eruitzag zonder zijn iconische roodachtige baard. , samen met vele andere mannen van onze kennis, lijkt beslist jonger, soms bijna als een volwassen jongen, na het scheren van hun behaarde gezichten. Naar aanleiding van deze fysiognomische onthulling, stel ik me schokkend voor velen voor, ga ik verder met de beschrijving van het meesterwerk, een zelfportret waarvan velen hebben aangegeven dat het waarschijnlijk het laatste is dat is gemaakt door de meester, die hij geschikt achtte om het cadeau te doen aan zijn moeder. Waarschijnlijk besefte de kunstenaar het belang van de band met laatstgenoemde door deze te laten opvallen na de pijnlijke "explosie" van zijn relatie met Gauguin, een episode die waarschijnlijk de melancholie rechtvaardigt waarmee dit werk wordt geladen, waardoor het een verontrustend beeld wordt, een getuige van een leven dat begon af te brokkelen vanwege de mentale angsten van de meester. Tot slot maak ik melding van een curiositeit: Zelfportret zonder baard is een van de duurste schilderijen aller tijden, zozeer zelfs dat het in 1998 in New York te koop was voor $ 71,5 miljoen, zoveel voor melancholie!

Van Gogh, Zelfportret als schilder , 1887-1888. Olieverf op doek, 65,1 x 50 cm. Amsterdam: Van Goghmuseum.

7. Zelfportret als schilder (1888)

Hoe het werk van Van Gogh te bewonderen zonder te refereren aan de hoogste Nederlandse schildertraditie? In feite, ruim tweehonderddrieëntwintig jaar voordat de bovengenoemde meester, een andere, van gelijke faam, zichzelf schilderde in zijn rol als schilder, ik spreek van Rembrandt, auteur, in 1665, van Zelfportret met palet en penselen , een schilderij waarop hij nu als zestiger aan het werk is in zijn atelier, een decor waarin de aanwezigheid van enkele cirkels, vaak geïnterpreteerd als kabbalistische symbolen of gestileerde bollen, waarneembaar is. In het meesterwerk uit 1888 wordt Vincent eveneens voorgesteld als een schilder die, uitgerust met palet, penselen en schildersezel, bewijst een moderne kunstenaar te zijn, aangezien hij vaardig let op het gebruik van heldere en complementaire kleuren, duidelijk te onderscheiden in schakeringen van rood, groen, geel, blauw en oranje, tinten deels aanwezig in dezelfde compositie van het meesterwerk. Ten slotte herinner ik me andere beroemde zelfportretten van schilders in hun atelier, waaronder Velázquez' Las Meninas, Manet's Zelfportret met een palet, Courbets The Painter's Studio en Jan Vermeers The Art of Painting.

Van Gogh, Zelfportret met grijze vilten hoed , 1887. Olieverf op katoen, 44,5 cm x 37,2 cm. Amsterdam: Van Goghmuseum.

6. Zelfportret met een vilten hoed (1887)

We introduceren Zelfportret met vilthoed (1887) door enkele curiosa over dit supergeëxploiteerde genre van de kunstenaar te onthullen, te beginnen met het totale aantal van dit soort werk, waarvan er niet minder dan vijfendertig bekend zijn! Daarentegen is ons slechts één foto van Vincent overgeleverd, waarop hij op negentienjarige leeftijd wordt afgebeeld in een echt stoere, of beter gezegd, nogal norse uitdrukking. Een ander belangrijk stuk informatie gaat over waarom de kunstenaar zelfportretten probeerde, een genre dat uitputtend werd onderzocht omdat de kunstenaar, die berooid was en worstelde om modellen te vinden, koste wat het kost wilde oefenen met het schilderen van mensen. Het meesterwerk uit 1887, gemaakt tijdens de Parijse periode van de meester, vertegenwoordigt echter de interesse van de kunstenaar voor de pointillistische techniek, die hij duidelijk op zijn eigen manier toepaste, evenals het gebruik van complementaire kleuren, naast elkaar geplaatst gedurende lange tijd. penseelstreken in blauw, oranje, rood en groen. Precies anders dan de pointillisten gebruikte Vincent voor elk deel van het doek een bepaald type markering, waardoor een lijnenstelsel ontstond dat verband hield met het afgebeelde object of de textuur.

Van Gogh, Zelfportret met verbonden oor en pijp , 1889. Olieverf op doek, 51 x 45 cm. Zürich: Kunsthaus Zürich.

5. Zelfportret met verbonden oor en pijp (1889)

Dit zelfportret geeft de effecten weer die een grote teleurstelling, letterlijk het einde van een droom, had op de routine, psyche en lichamelijkheid van Vincent van Gogh, die extreem getekend was door het afzien van het starten van een gemeenschappelijk huis, evenals een fellowship van kunst en bestaan met zijn vriend en schilder Paul Gauguin in het bekende gele huis in Arles. Hoewel de twee er aanvankelijk in waren geslaagd samen te wonen in laatstgenoemde plaats, dreef hun karakter hen al snel uit elkaar, wat uitmondde in een woedende ruzie, die Vincent ertoe bracht om precies op 23 december 1888 zijn relatie te verbreken. linkeroor en vervolgens in het ziekenhuis worden opgenomen met de diagnose epilepsie, alcoholisme en schizofrenie. Exact een maand na deze episode van verminking schonk Van Gogh het eerder genoemde zelfportret, dat, zoals te zien is aan het verbonden rechteroor, in plaats van het linker door de kunstenaar in de spiegel werd uitgevoerd, een reflecterend object waarop hij is gevangen in een driekwartbeeld met een misschien nu berustende uitdrukking, die goed past bij de meer dynamische cirkels, golven en tekens die door de rook van zijn pijp zijn geconstrueerd, met plaatsing op een drager waar voornamelijk complementaire kleuren werden verspreid.

4. Zelfportret 1889

Aan het meesterwerk uit 1889, dat Vincent opnieuw geportretteerd wil hebben in zijn rol als schilder, geven we de opdracht ons te vertellen over het leven van de kunstenaar gedurende dat jaar, een periode die mogelijk samengevat wordt door de eigen woorden van de meester, die hij bekende aan zijn geliefde broer Theo: "Ik ben niet echt geestesziek, ik heb zin om te werken en ik word niet moe." In feite werd Van Gogh na de ooraflevering opgenomen in Hotel-Dieu in Arles, om op 7 januari 1889 te worden vrijgelaten, een periode waarin hij terugkeerde naar zijn geliefde gele huis, genietend van de steun van Joseph Roulin en zijn altijd - aanwezige broer Theo, aanwezigheden die hem in staat stelden momenten van sereniteit te ervaren waarin de meester de omringende realiteit helder en ironisch kon beoordelen, die helaas gepaard gingen met ernstige terugvallen in ziekte, verantwoordelijk voor een nieuwe ziekenhuisopname en de daaropvolgende petitie van de burgers van Arles, die hem voor eeuwig wilden opsluiten. Ondanks deze externe druk was het Vincent die opnieuw in het ziekenhuis wilde worden opgenomen, dit keer in Maison de Santé in Saint-Paul-de-Mausole, een oud klooster dat werd gebruikt als psychiatrisch ziekenhuis in Saint-Rémy-de-Provence, een plaats waar Vincent rijpte een zeker bewustzijn: "bij het observeren van de realiteit van het leven van krankzinnigen in deze menagerie, verlies ik de vage angst, de angst voor het ding en beetje bij beetje kan ik waanzin gaan beschouwen als een ziekte zoals elke andere."

Van Gogh, Zelfportret , 1887. Olieverf op karton, 42 × 33,7. Chicago: Kunstinstituut van Chicago.

3. Zelfportret (1887)

Op het podium, precies op de derde plaats, staat een zelfportret dat ons vertelt over Vincents verblijf in Parijs, waarin de kunstenaar zich tussen 1886 en 1888 wijdde aan de productie van maar liefst vierentwintig zelfportretten, van die, degene die het voorwerp van onze aandacht is, opvalt voor onze blik vanwege zijn bescheiden formaat, zijn steun in bord in plaats van in het terugkerende canvas, en zijn dik gedepte penseelstreek, een bijzonderheid die nu wordt aangetroffen in meerdere onderwerpen van hetzelfde genre en niet. Nog steeds wat betreft techniek lijkt het duidelijk hoe de verwijzing naar pointillisme eigenlijk een tegenovergestelde richting uitgaat, want als Seurats methode gebaseerd was op objectieve en koude wetenschap, was die van Van Gogh doordrongen van de innerlijke wereld van de kunstenaar, wat in dit specifieke geval tot uiting kwam in de bekwame nevenschikking van deeltjes groen, blauw, rood en oranje, tinten bedoeld om leven te geven aan een tijdloze achtergrond waartegen de bekende en emotionele beeltenis opvalt. Ten slotte doet de lome en diepe blik van het meesterwerk ons denken aan de uitspraken van de kunstenaar zelf, die opnieuw aan zijn broer Theo onthulde: "Ik schilder liever de ogen van mensen naar kathedralen... Hoe plechtig en imposant die laatste ook mogen zijn , een menselijke ziel, zij het die van een arme marskramer, is interessanter voor mij."

Van Gogh, Zelfportret met verbonden oor , 1889. Olieverf op doek, 60 x 49 cm. Londen: Courtauld Gallery.

2. Zelfportret met verbonden oor (1889)

Aangezien we het bekende linkeroor van Van Gogh al uitvoerig hebben besproken, zou ik bij de presentatie van het meesterwerk uit 1889 willen voortgaan door stil te staan bij een detail ervan. Uitgaande van een meer algemene beschrijving om tot het meest opvallende punt te komen, toont Vincent in Zelfportret met verbonden oor zichzelf naar rechts kijkend, uitgerust met een zware donkere jas en een bontmuts, terwijl zijn starende blik lijkt te hallucineren, of misschien , om het beter te zeggen, hij lijkt verdwaald te zijn in de diepe innerlijke sfeer van zijn wezen. Waar we nu echter in geïnteresseerd zijn, is de Japanse prent die op de achtergrond aan de muur lijkt te hangen, die is geïdentificeerd als een werk van Sato Torakiyo, gereproduceerd door de Nederlandse meester door de figuren en het silhouet van de berg Fuji te verschuiven naar rechts. Het is precies dit laatste oosterse meesterwerk dat ons ertoe brengt de passie te onthullen die Van Gogh koesterde voor Japanse kunst, zo erg zelfs dat de kunstenaar er zelfs in slaagde zijn eigen persoonlijke verzameling prenten te creëren, die hij kon verzamelen, aangezien deze bij de tijd op de markt tegen bescheiden prijzen. Van de verschillende werken die de Nederlander aankocht, springt zeker de beroemde Shin-Ōhashi-brug in de regen van Utagawa Hiroshige (1797 - 1858) eruit, een prent die symbool staat voor een interesse die in de kunstenaar groeide toen hij eenmaal in Parijs aankwam, een stad die, in navolging van de mode van die tijd, een groot repertoire aan oosterse prenten bood, onder meer die Vincent graag bewonderde in de galerie van Siegfried Bing (1838 - 1905), een Frans-Duitse koopman die winkel in de rue de Provence.

Van Gogh, Zelfportret , 1889. Olieverf op doek, 65 cm x 54 cm: Parijs: Musée d'Orsay.

1. Zelfportret (1889)

Op nummer één staat het populaire Zelfportret uit 1889, een werk waarmee ik mij distantieer van de meer algemene kritiek die, als je het spel wilt spelen, zegt dat je gek bent zonder me te vertellen dat je dat bent, wijst op de dwangmatige versiering aanwezig op de achtergrond van het schilderij als een flagrante waarschuwing voor een latente psychotische toestand. Maar wat als de overduidelijke mentale complexiteit van de kunstenaar gewoon een aspect is dat moet worden toegevoegd aan zijn toch al vrije en aangeboren creatieve drive? Is het in die zin mogelijk om Vincent even los te koppelen van zijn stoornissen en hem simpelweg te beschouwen als een gezonde drager van creativiteit? Zeker, geestesziekte heeft vaak de ontwikkeling van artistiek talent bevorderd, maar willen we de gave van flair overschaduwen door er uitsluitend over te praten? Bovendien zouden volgens deze redenering alle "gekken" onbetwiste genieën van kunst moeten zijn! Mijn complexe vragen kunnen zeker niet door mij worden beantwoord, hoewel ik geloof dat de "versiering" die het werk presenteert niet uitputtend kan worden toegeschreven aan een waanidee, maar misschien eerder aan de kracht van de combinatie van een fragiele geest en een buitengewone verbeeldingskracht, eigenschappen waarmee Vincent het genre van de portretkunst opnieuw kon uitvinden en de diepste, soms impulsieve en irrationele bewegingen van de menselijke ziel de vrije loop kon laten, zonder enige schaamte.